Die Grammys

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Frauen sind Vorreiter bei der Zukunft des Hip-Hop und ihr Stil war noch nie so ausgeprägt. Hören Sie sich zur Feier des 50-jährigen Hip-Hop-Jubiläums 14 aufstrebende Künstlerinnen an, die Sie im Jahr 2023 und darüber hinaus im Auge behalten sollten.

Hip-Hop ist trotz des Erfolgs und des unbestreitbaren Einflusses weiblicher Talente seit langem ein von Männern dominierter Bereich. Vom Sprung an haben Frauen Torwächter und Erwartungen überwunden, angefangen bei MC Sha-Rock, dann über Salt-N-Pepa, Lauryn Hill, Missy Elliot und in jüngerer Zeit mit Gangsta Boo, Nicki Minaj, City Girls und Noname, die Torwächter und Erwartungen überwunden haben Erwartungen. Zeitgenössische Acts wie GloRilla setzen ihre Bemühungen fort und erreichen eine Zielgruppe, die im Hip-Hop noch nie übermäßig vermarktet wurde: Frauen, die Rapmusik von Frauen hören wollen.

Rap entwickelt sich langsam zu einem inklusiveren Raum – mit einem Publikum, das endlich bereit ist, einen Raum für Vielfalt und Sexpositivität für alle Geschlechter zu schaffen – und ist offen für eine Vielzahl von Subgenres, wobei Rapperinnen an der Spitze stehen. Im Jahr 2021 erhielt Cardi B als erste Rapperin eine mit einem Diamanten ausgezeichnete Single. Jeder Club in Amerika, der Meg Thee Stallion nicht spielt, sollte als Rarität betrachtet werden. Ice Spice ist die erste Drill-Rapperin, die in der Mainstream-Kultur Fuß gefasst hat.

Die Bühne für eine neue Generation von Künstlern ist bereitet, vor allem dank der geschlechtslosen, großen Reichweite der Social-Media-Plattformen. Heute beginnen sich Missverständnisse aufzulösen, die den Mut von Gangsta Boo, die explizite Sinnlichkeit von Lil' Kim und das lyrische und politische Fachwissen von Noname verbergen. Die gläserne Decke ist durchbrochen und führt zu einem exponentiellen Anstieg der Zahl weiblicher Künstler: Wandererinnen, Trash-Talkerinnen, Geschichtenerzählerinnen und sexuell aufgeladene Drill-Rapperinnen.

Frauen sind Vorreiter bei der Zukunft des Hip-Hop und ihr Stil war noch nie so ausgeprägt. GRAMMY.com bietet eine Liste von 14 aufstrebenden Künstlerinnen, die Sie im Jahr 2023 und darüber hinaus im Auge behalten sollten.

Die Chancen stehen gut, dass Sie „Pound Town“ gehört haben. Wenn Sie es nicht getan haben, bleiben Sie in den nächsten Minuten ruhig, während die Rapperin aus St. Louis kein Detail ihrer sexuellen Heldentaten verschont.

Ähnlich wie Lil' Kim ist Sexyy Red nicht nur sexpositiv, sondern auch berüchtigt: „Meine Muschi ist rosa, mein Hintern ist braun, ich habe gerade Pound Town verlassen“, erklärt sie. Sexyy Red fördert auch die Selbstbestimmung und steigert das Selbstwertgefühl von Frauen. Bei „Hellcat SRTs“ verkündet sie ihren Landsleuten: „Böse Schlampen, wir mögen schnelle Autos. Wir mögen N-S, die mit schnellen Autos Drogen verkaufen.“

Im Ernst, Sexyy Red ist mutig, selbstbewusst und der nächstheißeste Rapper aus St. Louis. Halten Sie die Augen offen und hören Sie sich „Hood Hottest Princess“ von Anfang des Jahres an, wann immer Sie Lust auf mehr haben.

Das ehemalige SURF GANG-Mitglied Babyxsosa war eine der ersten viralen Rapperinnen, die während der Pandemie auf TikTok einen Durchbruch schafften, aber ihre Geschichte geht weit über die hellen Töne und seltsam sporadischen Trommeln von „Everywhereigo“ hinaus. Ihre zierliche, automatisch abgestimmte Stimme und ihre üppigen Klanglandschaften machen sie zur Internetversion einer Soulsängerin. Sie ist warmherzig und intim und verwendet einfache Texte, um Gefühle des Verlangens und der Verzweiflung zu singen.

Im Kern ist Babyxsosa jedoch eine Kreuzung aus Underground-Hip-Hop-Musikerin Billie Eillish und PinkPantheress. Beats mutieren zum Klang ihrer Stimme. Während ihre Singles der letzten vier Jahre von kakophonen, bleihaltigen Synthesizern bis hin zu Fahrstuhlmusik mit 808-Tönen reichten, demonstriert ihre jüngste EP „Bling Bling“ unheimliche, melodische Vielseitigkeit, indem sie gedämpfte Verse zu Club-Beats legt und dabei eine Reihe verschiedener experimenteller Elemente verwendet Digicore-Instrumentalstücke, um sich sowohl als Sängerin als auch als Songwriterin herauszufordern.

Hook kann mit keinem Sound im Hip-Hop verglichen werden. Einige ihrer Beats piepten wie 8-Bit-Minispiele, andere bestehen aus einzelnen oszillierenden Synthesizer-Akkorden; Im Allgemeinen hat ihre Produktion einen Herzschlag, der ein- und ausblendet und sich wiederholt, wodurch jedes Lied sein eigenes Leben und danach eine Aufregung erhält.

Die in Riverside, Kalifornien, aufgewachsene Rapperin brodelt in ihren Versen und schwärmt von Frustration, Freude, Enttäuschung, Verwirrung, Wut, Ekel, Traurigkeit und allen Emotionen dazwischen. Dennoch sind Hook und ihre avantgardistische Herangehensweise an Rap unberechenbar und urkomisch und lyrisch in jeder Hinsicht einzigartig.

Armani Caesar ist die erste und einzige Rapperin bei Griselda Records, bei der unter anderem Boldy James, Mach-Hommy, Westside Gunn, Conway the Machine und Benny the Butcher mitwirkten. Wie die letzten drei stammt Armani Caesar aus Buffalo, NY, und liefert düstere, bissige Straßengeschichten, aber mit etwas mehr Rhythmus als eine verstaubte Platte aus dem Jahr 1945.

Sie integriert Pop-Rhythmen und orientiert sich mehr an der Disco-Ära und moderner Technologie für eine Kadenz, die nur um Haaresbreite mehr Uptempo als Soul ist. Der Rhythmus von Armani Caeser ist ansteckend, aber ihre Texte sind giftig. Schauen Sie sich das Cover ihrer Single „Diana“ an. Das Cover heißt Lil' Kim, wenn sie in Buffalo heimgesucht hat.

Obwohl Little Simz nicht unbedingt eine aufstrebende Künstlerin ist, ist ihr Erfolg seit der Veröffentlichung von „Sometimes I Might Be Introvert“ im Jahr 2021 exponentiell. Der britische Grime-Rapper ist zu gleichen Teilen technisch einwandfrei und lyrisch beeindruckend. Über gartenpartyartige Orchesterklänge kann sie ein aus eigener Kraft verfasstes Gedicht vortragen, aber sie kann auch fast atemlos eine 16-taktige Strophe mit einer Live-Band rappen.

Sie ist ausdrucksstark und energisch, sentimental und unerbittlich altruistisch. In Little Simz brennt ein Feuer, und der Funke wird mit jedem Trommelschlag entfacht.

Wo Hip-Hop begonnen hat, in zwei Extreme überzugehen – Heavy Metal auf der einen Seite und trommellose Beats auf der anderen – präsentiert Amaarae eine versteckte Alternative. Der ghanaische Sänger führt eine neue Konzeption des Hip-Hop ein und bringt einen Afro-Pop-Einfluss mit, der an Doja Cats Debütalbum Hot Pink erinnert.

Amaarae produziert ihr eigenes Werk und verbindet traditionelle ghanaische Instrumentierung und Polyrhythmen mit einem digital erstellten Trommelkreis. Während die Musik im Doppeltakt läuft, beschleunigt sich Amaaraes Stimme auf und ab und schwankt zwischen Rappen und Singen. Sie macht alles, und nach dem viralen Erfolg von „SAD GIRLZ LUV MONEY“ und seinem Remix mit Kali Uchis veröffentlichte Amaarae im Juli eine neue EP, Fountain Baby, und punktete mit der sengenden Hitze des Sommers.

Mit einer elektronischen Collage aus House, Club, Drum’n’Bass, Afro-Beats und Live-Drum-Breaks geht Tkay Maidza über den Begriff „Multi-Bindestrich“ hinaus. Egal, ob sie mit JPEGMAFIA oder Flume zusammenarbeitet, Tkay erschafft in ihren Klanglandschaften dystopische Welten, durchzogen von kreischenden Basslinien und glitzernden Snares. Ihre Musik ist Neo-R&B, wie sie es für richtig hält, und appelliert gefühlvoll an Kari Faux, weil sie bei „Don't Call Again“ zu viel artikuliert; es ist Rage-Rap auf dem Industrial-Track „Grasshopper“; In ihrer neuesten Single mit dem schüchternen Titel „Silent Assassin“ ist es sogar eine Ableitung von EDM.

Flo Milli ist der junge, fröhliche Künstler dieser neuen Generation von Talenten. Ihre Stimme ist eine Altstimme und ihre Texte sind gerade eingebildet genug, um Exzellenz auszustrahlen und gleichzeitig einige der cleversten Hip-Hop-Remixe für Hörer der Generation Z zu liefern.

Egal, ob sie zu Ethereals Beat bei Playboi Cartis „Beef“ oder zu Too $horts „Blow the Whistle“ rappt, Flos enthusiastische Reime wecken bei ihren Zuhörern Selbstvertrauen und sexuelles Können. In „Roaring 20s“ übernimmt sie spielerisch die Rolle der Daisy aus „Der große Gatsby“, fasziniert von Ragtime-inspirierten Inszenierungen und Männern, die alles aufgeben würden, um ein paar Minuten mit ihr zu verbringen. Das ist die Magie von Flo Milli: Sie ist lebhaft und springt fließend zu jedem Stil und jeder Ästhetik, die sie für ihre Ausstellung für würdig hält.

In ihren vielen Leben hat CLIP ihren Abschluss an der NYU gemacht, eine erfolgreiche Karriere als Journalistin hinter sich und landete in Los Angeles unter der nächsten Generation von Soundcloud-Künstlern. Ihre Musik ist ein Schmelztiegel dieser Kulturen und Einflüsse. Auf ihrer jüngsten EP PERCEPTION fügt sie Drum-n-Bass-inspirierte Beats in Songs wie „Happy“ ein. ihre Breakout-Single „SAD B!TCH“ grenzt mit ihrem ätherischen Mix an Cloud Rap; Ihre jüngste Single „Sunset Blvd“ enthält die Melodien des Emo-Rap. CLIP hat sich bereits zu einem aufstrebenden Stern entwickelt, ohne ein einziges Projekt in voller Länge zu veröffentlichen.

Ihre Stimme ist sanft und melodisch wie Babyxsosa und ihre Produktion passt zu der milden Psychedelie von Hooks Filtereinsatz. CLIP integriert die Downtempo-Unheimlichkeit der Chopped-and-Screw-Tapes aus Houston und übertönt ihre eigene Prahlerei durch internetkodierte Klanglandschaften.

Die aus Winston-Salem, North Carolina, stammende TiaCorine hat die Prahlerei eines Gangsta Boo und färbt ihre Texte mit Angeberei und raffinierten Stakkato-Phrasen. Ihre Instrumentierung ist wellig und pompös, mit verzerrten 808ern und dem glänzenden Funkeln von Xylophonen und hohen Synthesizern.

TiaCorine zeichnet sich durch die Art und Weise aus, wie sie ihre Southern-Kadenz mit unzusammenhängenden Bubblegum-Beats, Drum-Machine-Hi-Hats und Kicks im Jersey-Club-Stil verbindet. Sie ist unberechenbar und doch süß; Sie ist niedlich wie PluggNB und doch arrogant wie JT und Yung Miami.

Im Vergleich zu Hook, CLIP oder Babyxsosa wäre Vayda ihr verlorenes Kind der kommenden Generation digitaler Medienkonsumenten, die auf ein noch anregenderes Derivat des Industrial Hip-Hop abzielen: Hyperrap. Vayda kreiert völlig genrelosen Hip-Hop und springt vom Jersey-Club über Sample-basierte Beats bis hin zu Trap-Hi-Hats für kurze, leicht verdauliche Tracks, die normalerweise weniger als 90 Sekunden lang sind. Ihre Musik ist schnell und kommt in Wellen konzentrierter Aufmerksamkeit daher, gespickt mit sporadischen Bassdrum-Kicks, ähnlich denen von Evilgiane in SURF GANG und Cash Cobains hyperfokussierten Sample-Drill-808-Patterns.

Vayda geht es nicht um Regionalität und einen Sound, der einem bestimmten Ort zugeordnet werden kann. Ihre Beats funkeln und schimmern, sie sausen wie Körper auf den DJ in einem Club zu und Vayda steht an vorderster Front und leitet die neue Schule.

Ähnlich wie bei der Zungenbrecher-Legende Young Thug aus dem Süden verdrehen und verzerren Doechiis Stimmlagen klanglich und lyrisch gefühlvolle Verse. Denn die spießige Intonation des in Tampa geborenen Künstlers schlängelt sich in Tracks wie „Stressed“ ins Ohr und ruft echte Emotionen hervor.

Zusammen mit ihren Labelkollegen Isaiah Rashad und SZA bei TDE dehnt Doechii ihre Silben für Zick-Zack-Hooks gegen alles aus, vom Double-Time-Drums bei „Crazy“ bis zum Dancehall bei „Persuasive“.

Bktherula ist die Antwort des Hip-Hop auf Grunge und Punkrock. Ihre Ästhetik variiert von neonfarbenen Zöpfen bis hin zu Totenkopf-T-Shirts, jeweils in einem etwas anderen Schwarzton. Die Rapperin aus Atlanta bezieht sich in ihren eigenen stöhnenden Melodien auf Songs wie „Tweakin‘ Together“ und „FOREVER, PT. 2 (JEZEBEL)“ auf die sehnsüchtigen Schreie und das Flüstern des Punk.

Auf Tracks wie „TAN“ hingegen entspricht Bktherulas Musik der Aggressivität des Punks, indem sie trillernde Synthesizer und Arcade-klingende, antriebslastige Snare-Sounds verwendet. Bktherula demonstriert nicht nur ihre Technik, sondern provoziert auch präventiv jeden, der die Kühnheit hat, sie zu dissen.

Last but not least ist er seit Pop Smoke (RIP) Amerikas meistdiskutierter Drill-Rapper. Ice Spice kam aus der Bronx und wurde populär, nachdem es den Begriff „Munch“ geprägt hatte, der sich auf selbstlose, sexuell angenehme Männer bezieht. Ihr Sexappeal, ihr Evangelium der weiblichen Ermächtigung und ihr kreativer Freigeist, der durch SpongeBob Schwammkopf-Samples und Zedd-Flips ermöglicht wird, machen Ice Spice zur Königin der Viralität im Jahr 2023.

Wie übt sie ihren Superstar-Status aus? Mit jetzt verfeinerten Drill-Beats, melodischer Zusammenarbeit mit der britischen Sensation PinkPantheress und der Zusammenarbeit mit einigen der einflussreichsten Hip-Hop-Frauen aus New York – darunter ihrer Idol-Kollegin Nicki Minaj.

Ladies First: 10 unverzichtbare Alben von Rapperinnen

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Der Einsatz von Samples beeinflusst seit Jahrzehnten Künstler und DJs. Es war auch Anlass für Klagen und Zorn – lesen Sie weiter für 10 der größten Sampling-Kontroversen im Hip-Hop, von 2 Live Crew und der „Amen Brother“-Pause bis hin zu Young Nudy.

Hip-Hop gäbe es ohne Sampling nicht. In den 50 Jahren ihres Bestehens haben Rapper, Produzenten und DJs alte Musik aufgegriffen und sie wieder neu gemacht, indem sie die Kreativität früherer Generationen neu gemischt und neu interpretiert und sie in die Kultur von heute integriert haben.

Aber nicht jeder fühlt sich geschmeichelt, wenn ein Rapper seinen Song probiert. Die Geschichte des Hip-Hop ist voller Rechtsstreitigkeiten um nicht autorisierte Samples – von den Anfängen des Genres im Wilden Westen bis zur Moderne. Einige dieser Kontroversen hatten nachhaltige Auswirkungen auf die gesamte Branche.

Im Folgenden werfen wir einen Blick auf einige der umstrittensten Samples im Hip-Hop.

Vor „Rapper’s Delight“ war Hip-Hop überwiegend eine Live-Kunstform. Rapper machten selten Aufnahmen und traten lieber vor einem Live-Publikum auf, indem sie Freestyle-Raps über von DJs aufgelegte Funk- und Soul-Platten improvisierten. Der Einsatz von Samplern und Drum Machines war noch nicht weit verbreitet. Dennoch wollte Sylvia Robinson, eine Sängerin und Studiobesitzerin, den Trend nutzen. Sie stellte die Rap-Gruppe Sugarhill Gang zusammen und lud einige Studiomusiker ein, eine klangähnliche Version des Instrumentals aus Chics „Good Times“ aufzunehmen, damit sie darüber rappen konnten.

Der Song hatte noch nicht einmal die Charts erreicht – obwohl er der erste Hip-Hop-Song werden sollte, der es in die Billboard Top 40 schaffte –, als Nile Rodgers von Chic eine frühe Version in einem Club in Manhattan hörte. Ironischerweise waren einige Mitglieder der Sugarhill Gang sowie Fab Five Freddy bei einer Show Wochen zuvor auf der Bühne zum Freestylen bei „Good Times“ mit der Band zusammengekommen. Rogers war nicht erfreut darüber, dass das Lied gestrichen wurde, und er und Chic-Bassist Bernard Edwards drohten sofort mit rechtlichen Schritten, wobei eine Einigung dazu führte, dass sie als Co-Autoren anerkannt wurden.

Der Song brachte den Hip-Hop in den Mainstream, bereitete aber auch die Bühne für viele ähnliche Fälle, in denen Produzenten eher um Vergebung als um Erlaubnis baten und sich den Konsequenzen stellen mussten.

„Planet Rock“, ein weiteres Beispiel für „Sampling ohne Sampling“, war keine direkte Neuaufnahme eines früheren Songs wie „Rapper’s Delight“. Nachdem sie die Popularität der Songs von Kraftwerk in New Yorks Nachtclubs gesehen hatten, beschlossen Produzent Arthur Baker und DJ Afrika Bambaataa, die elektronische Musik der deutschen Gruppe mit Hip-Hop zu verbinden.

„Planet Rock“ verbindet den Beat von „Numbers“ mit der Melodie von „Trans-Europe Express“, darüber rappen Bambaataa und die Soulsonic Force, aber Baker hat beides mit seinen eigenen Instrumenten nachgebildet. Sie haben Kraftwerk jedoch nie um Erlaubnis gebeten, und als die Band sich an Tommy Boy Records wandte, beschloss das Label, ihnen für jedes verkaufte Exemplar einen Dollar zu geben, und erhöhte die Preise, um die Kosten auszugleichen.

Der Song begründete ein Genre, Elektro, und beeinflusste alles von Detroit-Techno bis hin zu Miami-Bass. Jahre später verklagte Kraftwerk einen anderen Musiker wegen unerlaubten Samplings, ein Fall, der 2016 bis vor das höchste deutsche Gericht ging.

Als die in Washington, D.C. ansässige Soulband The Winstons „Amen, Brother“ aufnahm, konnten sie nicht ahnen, dass der sieben Sekunden lange Drum-Break von Gregory Coleman zu einem der ikonischsten und am häufigsten wiederholten Klänge der Musik werden würde .

Und doch ist genau das passiert: Nachdem der „Amen Break“ in Drum-Break-Compilations wie „Ultimate Breaks“ und „Beats“ enthalten war, die für DJs zum Loopen und Sampling konzipiert waren, gelangte er in ikonische Hip-Hop-Songs von NWA („Straight Outta Compton“). ), Mantronix („King of the Beats“), 2 Live Crew („Feel Alright Y’all“) und schließlich sogar der Titelsong „Futurama“. Richtig explodierte der Durchbruch jedoch in Großbritannien, wo britische Tanzmusikproduzenten, die schnellere Tracks für die explodierende Rave-Bewegung brauchten, den Durchbruch beschleunigten. Sie hackten es, bis „Amen Brother“ kaum noch wiederzuerkennen war, während andere berühmte Breaks wie „Funky Drummer“ und „Think“ eine ähnliche Behandlung erfuhren.

Daraus entstanden Jungle und seine Splittergenres Drum and Bass und Breakcore, und die Breakbeat-Revolution, die es auslöste, beeinflusst heute moderne Pop-Acts wie PinkPantheress und NewJeans. Laut WhoSampled wurde „Amen, Brother“ in 6.174 Songs gesampelt, was möglicherweise eine niedrige Schätzung ist.

Wie das Sprichwort sagt, frisst die Revolution jedoch ihre Kinder. Gregory Coleman, der Winstons-Schlagzeuger, der die Pause ins Leben gerufen hat, hat nie einen Cent an Tantiemen davon erhalten. Zum Zeitpunkt seines Todes im Jahr 2006 war er obdachlos und laut Winstons-Bandleader Richard Lewis Spencer hatte er keine Ahnung, dass die Pause einen solchen Eindruck hinterlassen hatte. Spencer selbst hat sich über die Auswirkungen des Bruchs aufgeregt und seine Verwendung manchmal als Plagiat bezeichnet, aber er konnte immerhin etwas Geld damit verdienen: Als letztes lebendes Mitglied der Winstons erhielt er 37.000 US-Dollar aus einer darauf abzielenden GoFundMe-Kampagne im Jahr 2015 Er zahlte einige der verlorenen Lizenzgebühren zurück, bevor er im Jahr 2020 starb.

In den späten 70er- und 1980er-Jahren blühte Hip-Hop dank kreativem Sampling auf. Produzenten wie Bomb Squad von Public Enemy erstellten Platten mit Dutzenden von Samples – ein collagierter Ansatz, der Künstler wie DJ Shadow und die Avalanches beeinflusste. Und doch drohte 1991 ein Rechtsstreit wegen einer ungeklärten Probe die gesamte Kunstform auszulöschen.

Biz Markie, berühmt für komödiantische Songs wie „Just A Friend“, wurde zusammen mit Warner Bros. Records vor ein Bundesgericht gezogen, weil er einen Teil von „Alone Again (Naturally)“ verwendet hatte, einem fast vergessenen Popsong aus den 70er Jahren von Gilbert O'Sullivan. Der Fall war eine Katastrophe für Markie und die Kreativität im Allgemeinen. Das Gericht entschied, dass sich das Label einer eklatanten und vorsätzlichen Urheberrechtsverletzung schuldig gemacht habe, weil es sich an die Urheberrechtsinhaber des Samples gewandt habe, die die Erlaubnis zur Nutzung des Liedes verweigerten und es dann trotzdem veröffentlichten.

Das Argument der Verteidigung, dass unerlaubtes Sampling in der Musikindustrie weit verbreitet sei, wurde von Richter Kevin Duffy zurückgewiesen. In seinem Urteil – das mit einem Zitat des biblischen Gebots „Du sollst nicht stehlen“ beginnt – schrieb Duffy: „Die Angeklagten ... möchten, dass dieses Gericht glaubt, dass Diebstahl im Musikgeschäft weit verbreitet ist, und aus diesem Grund ihr Verhalten hier.“ sollte entschuldigt werden.

Markie wurde zur Zahlung von 250.000 US-Dollar Schadenersatz verurteilt und wegen Diebstahls, der nach rassistischer Bevormundung stank, vor ein Strafgericht verwiesen (aber nie angeklagt). Doch das primäre Ergebnis der Entscheidung – dass jedes nicht genehmigte Sample eine Urheberrechtsverletzung darstellt – war noch schädlicher und erzeugte eine abschreckende Wirkung auf den gesamten Hip-Hop, der Künstler daran hinderte, das kreative Potenzial der Praxis voll auszuschöpfen. Warner Bros. nahm den Song aus Markies Album und der Rapper nannte sein nächstes Album bekanntlich „All Samples Cleared!“.

Ist Luther Campbell, der Don-Dada der Miami Bass Maestros 2 Live Crew, schlauer als das gesamte Anwaltsteam von Warner Bros., das den Fall „Alone Again“ vermasselt hat? Gemessen an der Tatsache, dass es ihm gelungen ist, einen ungeklärten Musterfall eines weitaus berühmteren Künstlers als Gilbert O'Sullivan bis zum Obersten Gerichtshof zu bringen – und zu gewinnen – lautet die Antwort „Ja“.

Wie Biz Markie hatte auch 2 Live Crew um Erlaubnis gebeten, ein Sample – in diesem Fall „Oh! Pretty Woman“ von Roy Orbison – zu verwenden, und wurde abgelehnt. Möglicherweise war dies auf ihren wenig familienfreundlichen Ruf zurückzuführen, da die Gruppe immer wieder für Schlagzeilen sorgte und wegen des Bestseller-Albums „As Nasty As They Wanna Be“ wegen Obszönitätsvorwürfen gekämpft hatte. Trotzdem veröffentlichten sie den Song, und als Orbisons Label schließlich klagte, ließ sich Campbell eine clevere Verteidigung einfallen: Fair Use.

Campbell erklärte, der Song „Pretty Woman“ der 2 Live Crew sei eine Parodie auf Orbisons Original und das Sample stelle daher eine legale faire Verwendung dar. Der Fall ging bis zum Obersten Gerichtshof, der ein früheres Urteil des Berufungsgerichts aufhob, das besagte, dass das Lied aufgrund seines kommerziellen Charakters keine faire Verwendung gehabt haben könne. Sie stimmten auch dem ursprünglichen Urteil des Bundesbezirksgerichts zu, wonach der Song von 2 Live Crew dem von Orbison nicht ähnlich genug sei, um eine umfassende Rechtsverletzung darzustellen.

Ironischerweise verklagte Campbell später selbst 50 Cent wegen der Verwendung von „It's Your Birthday“ in seiner Hitsingle „In Da Club“, während 50 später Rick Ross verklagten, weil er den Beat dieses Songs in einer Kür verwendet hatte.

Am Ende bereute Hov einige der sexistischen Texte dieser Zusammenarbeit mit Bun B und Pimp C aus Houston, aber der Grund, warum er und Timbaland wegen „Big Pimpin“ vor Gericht landeten, war ein umstrittenes Beispiel. Der Produzent hatte bereits über 100.000 US-Dollar ausgegeben, um „Khosara Khosara“ des ägyptischen Komponisten Baligh Hamdi zu probieren, aber das reichte Osama Ahmed Fahmy, Hamdis Neffen, nicht.

Unter Berufung auf das ägyptische Rechtskonzept der „moralischen Rechte“ behauptete Fahmy in einer Klage aus dem Jahr 2005, dass das Lied nicht lizenziert sei, weil Jay-Z und Timbaland es versäumt hätten, Hamdis Erben um Erlaubnis zu bitten. Die Klage blieb jahrelang in der Schwebe, bevor ein kalifornischer Richter Fahmy schließlich fortfahren ließ. Zu diesem Zeitpunkt war auch Linkin Park wegen einer Mischung aus „Big Pimpin“ und ihrer Single „Papercut“ angeklagt worden. Während seiner Aussage vier Jahre später erklärte Jay-Z, er habe nicht einmal gewusst, dass das Lied überhaupt ein Sample enthielt, und sagte: „Timbaland hat mir einen Track präsentiert. Ich habe nicht einmal daran gedacht, dass es ein Sample gibt.“

Der Fall wurde 2018 endgültig beigelegt, als ein Berufungsgericht das ursprüngliche summarische Urteil zugunsten von Jay-Z bestätigte. Zu diesem Zeitpunkt war das Lied fast 20 Jahre alt.

Etliche der Samples, die auf „Yeezus“, Kanyes aufrührerischem und berühmt-berüchtigtem Album aus dem Jahr 2013, verwendet wurden, waren letztendlich nicht autorisiert. West reichte Klagen gegen die ungarische Prog-Rock-Band Omega (gesampelt auf „New Slaves“) und die Ponderosa Twins Plus One (gesampelt auf „Bound 2“) ein, weil sie ihre Musik ohne Erlaubnis verwendet hatten. Aber es war „Blood on the Leaves“, das die meiste Aufmerksamkeit auf sich zog, da es sich dreist (und völlig autorisiert) Nina Simones Cover von „Strange Fruit“ zu eigen machte, das ursprünglich durch Billie Holiday berühmt wurde.

Dass eine berühmte Anti-Lynch-Hymne von einem mega-berühmten Rapper verwendet wurde, um den Materialismus und die Ausuferung im Hip-Hop anzuprangern, mag einige verärgert haben – einige konservative Kritiker behaupteten sogar, es handele sich um einen Anti-Abtreibungs-Song –, aber der Song kam an fast universelles Lob.

Zwar ist „Blurred Lines“ nicht gerade ein Hip-Hop-Track, aber er enthält zwei Rapper, und obwohl es nicht gerade ein Beispiel ist, handelt es sich bei Robin Thicke und Pharrell um eine viel zu liberale „Anleihe“ von Marvin Gayes „Got to Give it Up“. „hat die Musikindustrie unwiderruflich verändert. Sicherlich war das Lied äußerst kontrovers und löste einen Diskurs vor #MeToo über die Objektivierung von Frauen und die Verherrlichung der Vergewaltigungskultur aus, der letztendlich zu Verboten führte. Aber es waren die Ähnlichkeiten mit Gayes Lied, die Willams und Thicke in der Presse zur Schau stellten, sowie eine präventive Klage gegen den Nachlass von Marvin Gaye, die eine nachhaltigere und schädlichere Wirkung hatte.

Williams hatte in seiner ersten Beschwerde gegen die Familie Gaye argumentiert, dass ihre Behauptung nicht auf bestimmten musikalischen Elementen beruhte, sondern auf der äußerlichen Ähnlichkeit der beiden Lieder. Eine Jury entschied jedoch einstimmig zugunsten der Familie. Der Fall hat im Wesentlichen über Nacht die rechtlichen Präzedenzfälle des Musikurheberrechts neu definiert und den Umfang erweitert, in dem ein Lied als Urheberrechtsverletzung angesehen werden kann. Dank der „Blurred Lines“-Klage kann ein Musiker in Angst vor rechtlichem Raub leben, nur weil sein neuer Song vage ähnlich klingt wie ein Song von vor 30 oder 40 Jahren.

Mittlerweile wird massiv in ältere Musik investiert, teilweise um diesen kreativen Abschreckungseffekt auszugleichen.

Das klagende Gitarren-Sample aus Stings „Shape of My Heart“, das das Rückgrat von Juice WRLDs Emo-Rap-Hit bildet, hat nichts besonders Aufrührerisches. Als Produzent Nick Mira jedoch enthüllte, dass Sting 85 Prozent der Rechte an dem Song übernommen hatte, wurde dies ein Beweis dafür, wie Sampling für etablierte Künstler zu einer Möglichkeit geworden ist, neuere Talente zu nutzen.

Es zog auch eine Klage der Pop-Punk-Band Yellowcard nach sich, die Ähnlichkeiten mit ihrem Titel „Holly Wood Died“ anführte. Juice WRLD selbst spielte die Situation herunter und sagte: „Es gibt immer mehr Geld zu verdienen.“ Die Klage wurde später nach dem tragischen frühen Tod des 21-jährigen Rappers im Dezember 2019 fallengelassen.

Einer der erfolgreichsten unveröffentlichten Songs der letzten Zeit ist auch ein warnendes Beispiel dafür, wie man Leaks unter Kontrolle hält. Das Lied mit dem ursprünglichen Titel „Pissy Pamper“ war ein von Pi’erre Bourne produzierter Titel, der ursprünglich für Sli’merre, sein gemeinsames Mixtape mit Young Nudy, gedacht war.

Aufgrund der prominenten Verwendung eines Loops aus „Tasogare“ der japanischen Sängerin Mai Yamane (bei Anime-Fans am besten bekannt für das Schlussthema von „Cowboy Bebop“) schaffte es der Titel leider nie auf die Platte, weil es Probleme mit der Sample-Freigabe gab. Aber irgendwie gelangte eine durchgesickerte Datei auf Spotify, wo ihre Killerkomponente, ein eindrucksvoller „Baby Voice“-Vers von Playboi Carti auf dem Höhepunkt der Hysterie vor Whole Lotta Red, zu sehen war.

Der Rest ist Geschichte: Internet-Memes, erneute Uploads, bei denen Nudys Teile entfernt wurden, und so weiter. Dank der sozialen Medien ist das Lied ein Generationsprüfstein, den es legal nicht geben sollte.

Hören Sie sich die Playlist zum 50-jährigen Jubiläum des Hip-Hop von GRAMMY.com an: 50 Songs, die die Entwicklung des Genres zeigen

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Die 2020er-Jahre brachten große Persönlichkeiten und Künstler mit einem Hang zur Viralität an die Spitze der Plattenverkäufe. Lesen Sie weiter für fünf entscheidende Songs und Alben, die das Jahrzehnt prägten.

Das neue Jahrzehnt ist erst drei Jahre her, aber eine neue Ära von Hip-Hop-Künstlern hat dem sich ständig weiterentwickelnden Genre bereits ihren Stempel aufgedrückt.

In den 2020er Jahren haben Social-Media-Plattformen wie TikTok eine wachsende Rolle im Karriereverlauf eines Künstlers gespielt. Die sozialen Medien haben Künstlern wie Finesse2tymes, Coi Leray, Baby Keem, Ice Spice und anderen ihr erstes Zeichen der Dynamik gegeben, und sie alle sind nach derselben Formel zum Star aufgestiegen.

Das Jahrzehnt hat sich auch als goldenes Zeitalter für weibliche Rap-Stars erwiesen, mit aufstrebenden Talenten wie Latto, Megan Thee Stallion, Sexyy Red, GloRilla und anderen, die zu der von Frauen angetriebenen Ladung beitrugen. Männliche Künstler wie Lil Durk, Fivio Foreign, Lil Baby und andere sind zu den führenden Stimmen ihrer jeweiligen Städte geworden.

Unterdessen bleibt der mittlerweile erfahrene MC Drake einer der größten Namen und beständigsten Hitmacher des Genres. Die Rap-Supernovae J. Cole, Tyler, the Creator und Kendrick Lamar haben in den 20er-Jahren ihre kulturverändernden Kräfte weiter entfaltet, während die Vermächtnisse der verstorbenen Künstler Nipsey Hussle, Pop Smoke, DMX, PnB Rock, Takeoff und andere dies getan haben wurden durch musikalische Widmungen, Video-Hommagen und posthume Projekte verewigt, die von denen unterstützt wurden, die ihre Beiträge schätzten.

Klänge und Stile anderer Regionen verschmelzen weiterhin mit denen einheimischer Hip-Hop-Künstler. Zu den größten genreübergreifenden Trends zählen Afrobeat-, Reggaeton- und Afro-Swing-Hits wie „TKN“ von Travis Scott und Rosalia, „Who Told You“ von J Hus und Drake und „Call Me Every Day“ von Chris Brown und WizKid, die Hip-Hop präsentieren -hops musikalische Erweiterung. Während die 2010er Jahre die Grenzenlosigkeit der Rap-Musik verdeutlichten, ist das Genre in den 2020er Jahren gesellschaftlich vielfältiger denn je.

Durch neue Flows, Kollaborationen und unglaubliche Beats wird sich Hip-Hop in den nächsten sechseinhalb Jahren zweifellos weiterentwickeln. Lesen Sie weiter für fünf Veröffentlichungen, die die 2020er bisher geprägt haben.

Lil Baby hat sich zu einer der führenden Figuren des Atlanta-Rap gemausert. Mit den Mixtapes „Too Hard“, „Street Gospel“ und seinem Gemeinschaftsprojekt mit Gunna „Drip Harder“ erlangte er Aufsehen. Aber Babys voller Aufstieg kam mit der Veröffentlichung von „My Turn“, einem Höhepunkt seiner größten Straßenhymnen und am meisten konzipierten Hits.

Das 20-Track-Projekt war mit den größten Trap-Platten des Jahres gefüllt, darunter die Rap-Kollegen Lil Uzi Vert, Moneybagg Yo, Future, Young Thug, Rylo Rodriguez, Lil Wayne und 4 Pockets Full-Unterzeichner 42 Dugg. Das Album zog auch ein All-Star-Ensemble von Beat-Machern an, wobei die Superproduzenten Hit-Boy, Murda Beatz, Tay Keith, Quay Global, Twysted Genius und andere bei der Produktion mithalfen.

„My Turn“ brachte Lil Baby sein erstes Nr.-1-Album ein und führte die Charts in 10 Ländern an. Und neben großen Verkaufszahlen wurde die Single „Bigger Picture“ 2021 für zwei GRAMMY Awards nominiert und machte den Rapper von Quality Control Music weltweit bekannt.

Tyler, the Creator nahm einen klanglichen Schwerpunkt auf Flower Boy und Igor aus dem Jahr 2019, was dem „See You Again“-Künstler ein breiteres Publikum und neue Hardware für seine Trophäensammlung einbrachte. Die beiden Alben waren zutiefst vergängliche, persönliche Werkgruppen, die Tylers künstlerisches Können auf bisher nicht dagewesene Weise zeigten.

Er bevorzugte einen alternativeren Sound, der von harmonischen Liebesgeschichten, punkigen „F-You“-Platten und gelegentlichen Anklängen an den Tyler von einst geprägt war. Aber „Call Me If You Get Lost“ (moderiert vom legendären Musikmanager DJ Drama) aus dem Jahr 2021 war die vollständige Rückkehr von Tyler, dem MC. Obwohl es Jahre her war, seit der in Kalifornien lebende Künstler sein lyrisches Können bei einem abendfüllenden Projekt unter Beweis gestellt hatte, seine Fähigkeiten ließen nie nach.

Tyler erlangte seine ausgeprägte Interpretation von „Wolf“ aus dem Jahr 2013 und seinen älteren Werken zurück. Er stellte seinen Reichtum in „Runitup“ und „Lemonhead“ voller Prahlerei zur Schau, erforschte die Romantik in „Wusyaname“ und thematisierte seinen Aufstieg vom unbekannten Künstler zu einer internationalen Größe in „Massa“.

Der Sound des Projekts wurde größtenteils von Tyler selbst gestaltet, mit weiteren Beiträgen der Produzenten Jay Versace, Madlib und Jamie xx. Das fertige Produkt wurde von Kritikern gelobt und brachte Tyler bei den GRAMMYs 2022 seine zweite Auszeichnung für das beste Rap-Album ein. Und fast zwei Jahre nach der Veröffentlichung des Albums veröffentlichte Tyler eine Deluxe-Version des Albums, die acht zusätzliche Songs mit Auftritten der Künstler A$AP Rocky, YG und Vince Staples enthielt.

Vor Mr. Morale & the Big Steppers war es fünf Jahre her, dass Fans ein abendfüllendes Projekt von Kendrick Lamar hörten. Der Compton-Rapper ließ sich Zeit mit der Veröffentlichung seines fünften Studios, das für die „DNA“ besonders sentimental war. Künstler. Es war nicht nur sein erstes Projekt unter seinem neuen Kreativkollektiv PGLang, sondern es schloss auch das Buch seiner Zeit bei Top Dawg Entertainment ab.

Angesichts der bevorstehenden großen Veränderungen war „Mr. Morale & the Big Steppers“ ein meisterhaftes, reflektierendes Werk, das Lamars Weg in der Therapie widerspiegelte. Themen rund um Alkoholismus, Trauer, Promi-Verehrung, Untreue und Kindheitstraumata sind über das gesamte Album verteilt. Die bewussten Untertöne wurden mit kunstvoll gestalteten Beats der langjährigen Kollaborateure DJ Dahi, J. Lbs, DJ Dahi, Sounwave und Bekon überlagert, mit zusätzlichen Beiträgen von Boi-1da, the Alchemist und anderen.

Das Album wurde von drei Singles angeführt, „N95“, „Die Hard“ und „Silent Hill“ mit Kodak Black, die dem Album zu Platz 1 der Billboard Hot 100 verhalfen. Es war die vierte Chartsliste des „Alright“-Künstlers Top-Projekt und wurde bei den 65. GRAMMY Awards mit dem Preis für das beste Rap-Album ausgezeichnet und stellte seine Dominanz in diesem Genre wieder her.

Wenn einer der größten Stars des Südens mit dem beständigsten Rap-Hitmacher zusammenarbeitet, wird das das Genre zwangsläufig aufmischen. Und nachdem sie an Songs wie „Sneakin“, „Issa“, „Mr. Right Now“ und anderen zusammengearbeitet hatten, gelang Drake und Her Loss von 21 Savage genau das.

Die Zusammenarbeit kam zu einem guten Zeitpunkt für 21 Savage, die zwei Jahre von Savage Mode II entfernt waren, und für Drake, der gerade das kritisch gemischte Dance-Album „Honestly, Nevermind“ veröffentlicht hatte. Das 16 Titel umfassende Album war gespickt mit Straßenhits wie „BackOutsideBoyz“, „Rich Flex“ und „Treacherous Twins“.

Trotz aller Höhepunkte des Albums kam es unmittelbar nach seiner Veröffentlichung zu Kontroversen über das Projekt. Bei dem Lied „Circo Loco“ behaupteten viele Fans, dass Drake seine Rap-Kollegin Megan Thee Stallion mit dem Liedtext verunglimpft habe: „This bitch lie 'bout gettin' Shots but she still a stallion / She don't even get the joke, Aber sie lächelt immer noch. Die Geschichte wurde von mehreren Publikationen aufgegriffen und Fan-Theorien kursierten noch Wochen nach der Veröffentlichung des Albums.

Dennoch lag das Album mit mehr als 400.000 Album-äquivalenten Einheiten an der Spitze der Billboard 200 und verdrängte Taylor Swifts „Midnights“ von der Spitzenposition. Alle Titel debütierten in den Billboard Hot 100, acht davon landeten in den Top 10.

„Munch (Feelin‘ U)“ von Ice Spice ließ die Fans von dem lockigen Bronx-Amerikaner angezogen werden, der mit dem viralen Hit einen Volltreffer landete, der eine neue Generation von Männern dazu brachte, sich zu fragen, ob sie ausschließlich aus Vergnügen oder echter Zuneigung genannt werden. Der plötzliche Ruhm öffnete dem MC „Bikini Bottom“ Türen.

Nachdem sie auf den Titelseiten von Magazinen landete und bei der berühmten Met Gala auftrat, arbeitete sie mit ihrem Idol Nicki Minaj an dem Hit „Prinzessin Diana“ zusammen. Der Song war der zweite Titel auf Spices Debüt-EP Like..?, aber die Hinzufügung von Minaj brachte ihre Twerk-besessene, Hafer liebende Marke auf ein neues Niveau.

Mit dem Erfolg von „Prinzessin Diana“ arbeiteten die beiden Künstler erneut am Barbie-Film-Soundtrack-Song „Barber World (with Aqua)“ zusammen. Die Kollaborationen trugen nur zu ihrer Reihe von Internet-Hits bei, zu der auch Platten wie „Boy’s a Liar Pt. 2“ und „In Ha Mood“ gehören. Sie hat noch einen langen Weg vor sich, bis sich ihr Erfolg als substanziell erweist, aber Spice hat sich in den 2020er Jahren bereits als heißeste Ware etabliert.

Wesentliche Hip-Hop-Veröffentlichungen aus den 2010er Jahren: Ye, Cardi B, Kendrick Lamar und mehr

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Besonderheit

In einem Interview mit GRAMMY.com diskutieren die Hip-Hop-Pioniere DJ Kool Herc und Cindy Campbell über die Ursprünge der Kultur in ihrem Aufenthaltsraum in ihrer Wohnung und die unzähligen Arten, wie ihre jamaikanische Herkunft den Hip-Hop beeinflusst hat.

Am 11. August 1973 veranstaltete die Highschool-Schülerin Cindy Campbell eine Party im Aufenthaltsraum des Wohnhauses ihrer Familie in der Bronx, um Geld für neue Schulanfangskleidung zu verdienen. Cindy schrieb Einladungen handschriftlich auf Karteikarten und verlangte eine bescheidene Eintrittsgebühr (25 Cent für Damen, 50 Cent für „Typen“); Sie bat ihren 18-jährigen Bruder Clive, die Musik zu spielen.

Clive, besser bekannt als DJ Kool Herc, baute seine Plattenspieler, Mischpulte, Verstärker und hoch aufragenden Lautsprecherboxen auf, aus denen eine Mischung aus Funk- und Soul-Platten erklang. Hercs Kumpel, der aus der Bronx stammende Coke La Rock, rief hin und wieder „Freunde“ und reimte sich über die Instrumentalpausen der Platten, um die Menge anzuheizen. Während die große Beteiligung ihrer Mitschüler sicherstellte, dass Cindy das Schuljahr mit der neuesten Mode beginnen würde, hatten die Geschwister etwas unendlich Wichtigeres getan: Cindy und Herc lösten eine Bewegung aus.

Der genaue Ursprung eines Musikgenres lässt sich selten auf ein einzelnes Ereignis zurückführen. Aber die Party von Cindy und Herc in der 1520 Sedgwick Avenue, die vor 50 Jahren stattfand, gilt weithin als Grundstein für die Entstehung des Hip-Hop.

„Von meiner Schulanfangsparty, auf der mein Bruder Herc spielte, und seinem Einfluss auf die Musik, die Songs und die Beats, die er wählte, wusste er, dass er dort etwas Besonderes hatte. Er dominierte die 1970er Jahre und schuf das, was wir als hip bezeichnen.“ -hop“, sagte Cindy Campbell kürzlich in einem Telefoninterview zu GRAMMY.com, und Herc beteiligte sich später an der Unterhaltung.

Aber der Begriff Hip-Hop, der die vier Elemente der Bewegung umfasst – Moderator oder Rap, Breakdance, Graffiti und Turntabling – wurde erst einige Jahre nach der Schulanfangsparty verwendet.

Laut Cindy war der Film „Beat Street“ aus dem Jahr 1984, bei dem Harry Belafonte als ausführender Produzent fungierte, eines der bedeutsamsten Ereignisse für die frühe Profilierung des Hip-Hop. „Irgendwann wussten die Leute nicht, wohin sich Hip-Hop entwickelt, er blieb unter dem Radar, aber Harry machte den Film, weil er wusste, dass etwas Besonderes vor sich ging; er brachte Hip-Hop auf ein neues Level und die Musik wurde international.“ „, überlegt sie.

Jahrzehnte später feiert Hip-Hop mehrere Meilensteine ​​und Herc wird seine Blumen bekommen.

Am 3. November wird DJ Kool Herc im Rahmen einer Zeremonie im Barclays Center in Brooklyn in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.

„Ich würde sagen, es ist langsam an der Zeit, aber ich bin ihnen nicht böse, denn Willie Nelson wird dieses Jahr aufgenommen und ist 90!“ witzelt Herc. Die Rock Hall identifiziert Herc, 67, als einen der Begründer des Hip-Hop, aber Herc bietet eine Klarstellung: „Ich bin der Gründervater des Hip-Hop“, behauptet er, „weil das niemand sonst gemacht hat, als ich angefangen habe.“ ."

Clive Campbell, ein ehemaliger Graffiti-Künstler, dessen Name CLYDE (von der falschen Aussprache von Clive durch seine Freunde) AS KOOL (aus einer Zigarettenwerbung) lautete, erhielt in der High School den Spitznamen Hercules für seine imposante, muskulöse Statur und seine hervorragenden sportlichen Leistungen. Aber es war Hercs Hintergrund als Tänzer, der zu seiner bahnbrechenden Technik als DJ führte.

Hinter den Plattenspielern achtete Herc genau auf die Tänzer auf seinen Partys und ihre Reaktionen auf seine Musikauswahl; Er bemerkte, dass sie vor allem von den Instrumentalpausen des Liedes begeistert waren. Aufbauend auf dieser Beobachtung verwendete Herc zwei Kopien derselben Schallplatte auf zwei Plattenspielern, wechselte mit einem Mixer zwischen ihnen und verlängerte das kurze Schlagintervall eines Songs zu einer ausgedehnten, hypnotischen rhythmischen Schleife. Er nannte seinen unverwechselbaren Ansatz das Karussell und er würde andere wegweisende Hip-Hop-DJs aus der Bronx beeinflussen, darunter Grandmaster Flash und Afrika Bambaataa.

„Ich hatte zwei Kopien derselben Platte und habe mich für das Eigelb und die Butter entschieden. Ich habe die Beats und den Break gefunden und das habe ich auf allen Platten gespielt“, erinnert sich Herc. „Ich hatte damals keine Kopfhörer, aber ich konnte die Pausen in den Rillen der Platte sehen und ging einfach hin und her. Als die Tänzer das hörten, wollten sie nur noch die Pausen hören. „Andere DJs hatten Platten“, bietet Herc an: „Aber ich hatte einen Stil, den sie nicht hatten, Hercs Stil, das Karussell.“

Hip-Hop: Entstanden aus einer vielseitigen Klanglandschaft

Wie sein Vater, der ein begeisterter Plattensammler war, hörte Herc eine vielseitige Auswahl an Musik: die klassischen jamaikanischen Ska-Singles von Prince Buster and the Skatalites, die ikonischen Country-Klagen von Jim Reeves, Soul-Nuggets und Top-40-Hits. „Früher hörte ich WWRL AM und [die New Yorker Radiolegenden] Frankie Crocker auf WBLS FM und Cousin Brucie auf WABC AM; ich hörte Boz Scaggs, Three Dog Night, „Sympathy for the Devil“ der Rolling Stones, '", teilte Herc mit.

Unabhängig vom Genre wählte Herc die Platten nach ihren Pausen aus und verwob sie zu einer berauschenden Klanglandschaft, die zur klanglichen Grundlage des Hip-Hops wurde. „Ich bin auf all diese Musik gekommen, kein Rassismus“, erklärt Herc. „Wenn Sie Chinesisch, Schwarz oder Weiß sind, ist alles in Ordnung, wir bluten alle rot, denn Jamaikas Motto lautet ‚Out Of Many One People‘.“

Clive und Cindy Campbell sind in Kingston, der Hauptstadt Jamaikas, geboren und aufgewachsen. Schon in jungen Jahren wurden sie mit der Soundsystem-Kultur der Insel vertraut gemacht – einer wichtigen Unterhaltungsplattform in den wirtschaftlich benachteiligten Gemeinden Jamaikas. Soundsysteme (mobile Diskotheken) tauchten erstmals Ende der 1940er Jahre in Kingston auf und verbreiteten sich in den 1950er und 1960er Jahren, wobei zunächst amerikanische R&B-Platten abgespielt wurden. Der Bedarf der Soundsysteme an exklusiver Musik beschleunigte jedoch die aufstrebende Aufnahmeindustrie Jamaikas, was zur Geburt von Ska, Rocksteady, Reggae und Dancehall führte.

Für jeden Sound gab es einen Selektor, der die Platten abspielte, und einen Moderator oder „DJ“ im jamaikanischen Sprachgebrauch, der sich auf die Instrumentalsegmente der Platten reimte oder „anstoßete“. Frühe Toaster wie Count Matchuki, gefolgt von King Stitt, verschmolzen ihren jamaikanischen Dialekt mit der Nachahmung der Radiosendungen, die sie von Sendern im Süden der USA hörten und die auf die Insel übertragen wurden.

Clive und Cindy beobachteten die beliebtesten Tonmänner der Ära, darunter Clement „Sir Coxsone“ Dodd (Downbeat the Ruler), Duke Reid (Trojan) und George Edwards, auch bekannt als King George von King Edwards Sound, der für Herc am einflussreichsten war, während sie sich aufstellten ihre jeweilige Ausrüstung am Nachmittag vor den Abendtänzen. „König Georg, so hat sich mein Ohr entwickelt, als ich ihm zugehört habe“, sagt Herc.

Die Tänze zogen große Menschenmengen an und generierten Einnahmen nicht nur für die Soundsysteme und die Veranstalter der Sitzungen, sondern auch für Essens- und Getränkeverkäufer und sogar für Schneider und Schneiderinnen, da viele Gäste neue Kleidung kauften, um besser auszusehen.

„Mein Vater war sehr musikbegeistert, er hatte die neueste Musik, ging auf Partys und einer seiner guten Freunde, Mr. Jim, war Coxsone Dodds Bruder“, sagt Cindy. „Wir waren zu jung, um teilzunehmen, aber unsere Eltern und Familienmitglieder sprachen über das Erlebnis. Die Tänze fanden draußen statt, sodass wir sahen, wie die Jamaikaner ihre Tänze aufführten und bewarben und was getan werden musste, um eine erfolgreiche Party zu veranstalten. Diese Dinge.“ hatte einen enormen Einfluss darauf, wie wir unsere Partys in der Bronx veranstalteten.

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Die Campbells wanderten in den 1960er Jahren in die Bronx, New York, aus. Ihr Umzug wurde von Clive und Cindys Mutter Nettie geleitet, die ein Krankenpflegestudium anstrebte. Clive kam 1967 in die Bronx. Mit Hilfe seines Vaters baute Herc sein eigenes Soundsystem auf, The Herculoids, dessen kraftvoller, grollender Klang das nachahmt, was er in seiner Jugend in Kingston gehört hatte, mit einem entscheidenden Unterschied. „Viele Jamaikaner betonen den Bass, um die Taille zu bewegen. Ich mag den Bass, aber ich zerlege das System gerne, weil es Höhen, Mitten und den Bass gibt, also habe ich es zerlegt.“

Herc produzierte hauptsächlich Funk und Soul, gelegentlich auch Rockplatten. „Ich habe Musik gemacht, manche für die Alten, manche für die Jungen. Ich nenne das den Stil der erwachsenen Leute“, erklärt Herc. „Wenn ich dazu tanzen kann, werde ich es spielen.“

Seine Karusselltechnik verwandelte die Pausen auf einer Reihe von Singles, von „Apache“ der Incredible Bongo Band über „Scorpio“ von Dennis Coffee, „Give It Up Turn It Loose“ von James Brown bis zu „Right Place“ von Dr. John. Wrong Time“ in ausgedehnte, hypnotische perkussive Jams. Hercs Vater sagte ihm, er solle die Etiketten von seinen Platten entfernen, um ihre Identität vor rivalisierenden DJs zu schützen, eine Praxis, die von Kingstons Soundsystem-Selektoren genutzt wird, um ihre Gegner bei Sound-Konflikten zu übertrumpfen.

Ende 1973 reichte der Aufenthaltsraum nicht mehr für die große Menschenmenge aus, die Hercs Partys besuchte, und so verlegten er und Coke La Rock ihre Sessions in Parks und Clubs in der gesamten Bronx. Aus den schnellen Rufen von Coke La Rock wurden Reime, die sich in Liedtexte verwandelten, darunter „Hotel, Motel, you don't tell, we won't tell“, das von Big Bank Hank der Sugar Hill Gang in der ersten Hit-Platte des Rap eingefügt wurde. „Rapper’s Delight.“ Die einflussreiche Vorlage, die La Rock etablierte, ist eine amerikanische Transplantation der Praxis jamaikanische DJs, über Schallplatten zu reden, die Mitte der 1970er-Jahre entstand.

Respekt vor den jamaikanischen Wurzeln der Kultur

Einige langjährige Hip-Hop-Fans, Blogger und sogar Historiker haben das jamaikanische Soundsystem als Grundlage für die Entwicklung der Kultur heruntergespielt. Selbst in Jamaika, wo Hip-Hop weithin gehört wird, sind sich viele der Abstammung der Bewegung nicht bewusst. „Uns ist klar, dass die Jamaikaner nie wirklich verstanden haben, was Hip-Hop bewirkt hat, wenn man bedenkt, dass wir von der Insel Jamaika stammen“, sagt Cindy.

Die möglicherweise einzige Hip-Hop-50-Veranstaltung, die sich mit der Komplexität der Verbindung zwischen Soundsystem und Hip-Hop beschäftigt, ist Faawud: Die offizielle Feier zum 50. Geburtstag des Hip-Hop der Jamaican Sound System Culture, die zu einem späteren Zeitpunkt stattfinden wird. Zu Faawud gehören ein Turntablist-Wettbewerb, ein freundschaftlicher Kampf zwischen einem Rap-Moderator und einem jamaikanischen Toaster sowie eine Ausstellung mit Audiokomponenten und Utensilien aus den Anfängen von Hip-Hop und Reggae, wobei die DJs King Addies, Revolution Sound und DJ Myte klassische Titel spielen. repräsentiert beide Genres.

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An einer Podiumsdiskussion, die sich mit den Wurzeln des Hip-Hop-Soundsystems beschäftigt, werden Herc, Grandmaster Kaz (Moderator/Anführer der bahnbrechenden Hip-Hop-Gruppe Cold Crush Brothers), der Cindy und Hercs sagenumwobenen Back-to-School-Jam besuchte, und Danny Dread, der ehrwürdige, langjährige Selektor, teilnehmen mit King Addies, die ihr 40-jähriges Jubiläum feiern. Danny und Herc werden jeweils 15-minütige Sets spielen und am 11. August um Mitternacht wird Herc den offiziellen Geburtstag des Hip-Hop einläuten.

Cindy Campbell, Kool Herc und Coke LaRock erhalten Auszeichnungen, ebenso wie ihre jamaikanischen Kollegen Danny Dread und der erfahrene Toaster Big Youth, einer der ersten DJs, die seit den frühen 1970er Jahren Platten veröffentlichten.

„Jamaikanische und karibische Künstler hatten einen unglaublichen Einfluss auf die Geburt und das Wachstum des Hip-Hop und ihr Einfluss wurde zu lange übersehen“, kommentiert James Cuthbert, Präsident von Rock The Bells, einem der Präsentationspartner von Faawud. „Wenn wir im 50. Jahr des Hip-Hop die Kultur und die Ikonen, die sie geschaffen haben, ehren wollen, müssen wir es richtig machen.“

Im Jahr 2021 erklärte ein Kongressbeschluss 1520 Sedgwick Avenue offiziell zum Geburtsort des Hip-Hop, nachdem es zu einem Kampf gegen Vermieter kam, die das historische Wohnhaus schließen wollten. Um das Gebäude zu retten, arbeiteten Herc und Cindy mit dem New Yorker Senator Chuck Schumer zusammen, der über ihre Leistungen als Einwanderer in New York City staunte.

„Senator Schumer sagte: ‚Mein Gott, das ist eine Einwanderungsgeschichte‘“, sagt Cindy. „Hip-Hop wurde in Amerika geboren, aber es ist eine fantastische Einwanderergeschichte. Den Leuten ist nicht bewusst, dass das zwei Einwanderer aus Jamaika getan haben. Warum? Weil wir unter dem Radar geflogen sind. Wir haben niemanden verklagt oder sind auf ein Sprichwort aufgesprungen.“ Wir haben dies oder das gemacht. Das mussten wir nicht, die 50 Jahre sprechen für sich.“

19 Konzerte und Events zur Feier des 50-jährigen Hip-Hop-Jubiläums

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Liste

Rolling Loud Miami ist bekannt für laute Moshpits und virale Momente und präsentierte im Laufe von drei Tagen über 100 Künstler. Sehen Sie sich sieben der energiegeladensten und unvergesslichsten Auftritte von Rolling Loud Miami 2023 an.

Der Regenguss am Freitagnachmittag reichte nicht aus, um die Energie (oder Hitze) am ersten Tag von Rolling Loud Miami zu verbrennen.

Als letzte Station des Jahres kehrte Rolling Loud für seine 8. jährliche Flaggschiff-Ausgabe in Miami ins Hard Rock Stadium in Miami Gardens zurück. Mit über 100 Künstlern, die während des dreitägigen Festivals auftreten werden, trotzten Tausende von Fans den sengenden Temperaturen, um einige der größten Hip-Hop-Acts zu erleben, darunter Playboi Carti, Ice Spice, City Girls, Latto, Lil Uzi Vert, Offset und So schnell wie möglich, Rocky. In diesem Jahr rekrutierte Rolling Loud auch zum ersten Mal lateinamerikanische Künstler für Auftritte. Der Reggaetonero Anuel AA und der Dembow-Künstler El Alfa beehrten am Freitag bzw. Samstag die Hauptbühne, um ihre größten Songs vor einer riesigen Menge Fans aufzuführen.

Rolling Loud ist bekannt für laute Moshpits und virale Momente und wäre ohne Chaos und Spektakel nicht komplett. Abgesehen von den verspäteten Set-Zeiten auf der Hauptbühne von Gopuff und dem fast eine Stunde Verspätung beginnenden Auftritt von Travis Scott gehörten zu den bemerkenswerten Auftritten Offsets, die Cardi B herausbrachten, um ihre Strophe über „Motorsport“ vorzutragen, und Travis Scott, der den Veröffentlichungstermin für sein neues Album „Utopia“ bekannt gab und dem dazugehörigen Film Circus Maximus, und ASAP Rocky scheint Scott zu dissen, während er einen neuen Song aus seinem kommenden Album „Don't Be Dumb“ aufführt.

Abgesehen von Drama und Chaos erhellten Künstler das ganze Wochenende über die Bühnen mit energiegeladenen, unvergesslichen Auftritten. Hier sind unsere sieben herausragenden Sets von Rolling Loud Miami.

Mit einem weißen Pelzmantel und weißem Haar bekleidet, elektrisierte Fousheé die Culture Kings-Bühne mit Heavy-Metal-Geschrei und schwindelerregenden Drehungen. Die Sängerin/Songwriterin und Gitarristin aus New Jersey wurde im Jahr 2020 viral, als der Rapper Sleepy Hallow den Gesang ihres Songs „Deep End“ in einem seiner viralen Songs verwendete. Seitdem hat sie sich einen Raum für ihren Alternative-Pop- und Rock-Sound geschaffen.

Als die Sonne am Himmel versank, erhellte Fousheé die Menge mit Liedern aus ihrem SoftCore-Album wie „Simmer Down“ und „Scream My Name“. Flankiert von zwei Gitarristen sorgte ihr mitreißend kühner Gesang für Energie unter den Fans, die sich um ihre Bühne versammelten.

Sie leitete ihren Auftritt mit dem Mut und dem Charisma derjenigen, die vor ihr kamen, wie Tina Turner. Fousheé erklärte: „Schwarze Frauen haben diesen Rock s begonnen – und wir holen ihn zurück.“

Die Rapperin aus St. Louis gab am Freitag ihr Rolling Loud-Debüt und trug ihr charakteristisches rotes Haar und ein glitzerndes rotes Outfit. Sexyy Red ließ die Fans verblüfft zurück, als sie auf die Sprite-Bühne stolzierte und zwei Männer mit Skimasken an der Leine führte. Nur wenige Monate zuvor war sie in eine Kontroverse verwickelt, weil sie in seinem Video „Slut Me Out (Remix)“ von NLE Choppa wie ein Hund geführt zu werden schien.

Sexxy Red sorgte am ersten Tag für Aufsehen und spielte ihre viralsten Hits „Female Gucci Mane“, „Pound Town“ und „SkeeYee“ aus ihrem aktuellen Album „Hood Hottest Princess“. Sie holte auch die Rapperin Sukihana mit, um ihre schlüpfrige Twerk-Hymne „Born By the River“ aufzuführen.

Bei ihrem ersten „Rolling Loud“-Set bewies Sexxy Reds Vorliebe für kühne und dreiste Lyrik und Stunts, dass sie sich nicht entschuldigt und hier bleiben wird.

Kurz nach der Veröffentlichung ihres neuen Albums „Sremm 4 Life“ war Rae Sremmurd einer der besten Auftritte am Freitagabend. Das dynamische Duo verwandelte die Sprite-Bühne in eine Party, als sie aufeinanderfolgende Knaller wie „No Flex Zone“, „Come Get Her“, „Swang“, „This Could Be Us“ und „Powerglide“ aufführten. Die Hitmacher erinnerten die Fans mit ihrer Mainstage-würdigen Energie an ihr Durchhaltevermögen.

Swae Lee zog einen Dior-Body an und sprang auf seinem Surfbrett in ein Meer von Fans, während Slim Jxmmi, ganz in Weiß gekleidet, auf die Barrikade vor der Bühne sprang, um das Publikum zu begrüßen. Sie hielten das Publikum bei Laune, während sie zwischen ihren berühmtesten Hits und neuen Songs hin und her wechselten. Bei „Sativa“, einem hypnotisierenden, trippigen Hit mit Jhené Aiko, haben sie die Sache ein wenig langsamer angehen lassen.

Das Paar hielt am anderen Ende des Festivals durch, gerade als Headliner Playboi Carti sich darauf vorbereitete, seinen Auftritt zu beginnen. Aber die Fans schienen es nicht eilig zu haben, zur Hauptbühne zu gehen. Rae Sremmurd sorgte dafür, dass sich eine glühend heiße Menge an den Rändern ihrer Bühne entlangschlängelte und bereit war, die ganze Nacht über zu feiern.

Travis Scotts verspäteter Headliner-Auftritt am Samstagabend hielt die Fans nicht davon ab, ein völliges Chaos auszulösen. Sein Set begann mit einem Filmtrailer, der die Veröffentlichung seines lang erwarteten Albums Utopia und des dazugehörigen Films Circus Maximus ankündigte.

Der rätselhafte Rapper erschien auf der Bühne, umgeben von rauchendem Vulkangelände und Feuerschüssen von der Bühne. Die unerträglichen Temperaturen konnten nicht mit der Hitze mithalten, die Scott mitbrachte, als er Hits aus seinem gefeierten ASTROWORLD-Album „HIGHEST IN THE ROOM“, „BUTTERFLY EFFECT“ und „STARGAZING“ aufführte.

Während des restlichen Auftritts strahlte Scott eine übernatürliche Präsenz aus, indem er „Praise God“ (eine von Baby Keem unterstützte Single von Ye’s Donda) und einen seiner beliebtesten Songs, „Goosebumps“, rappte. Als um ihn herum ein Feuerwerk in die Luft schoss, beendete Scott seinen Auftritt und erzählte den Fans, dass es sein letzter ASTROWORLD-Auftritt war, den sie gerade gesehen hatten, und verkündete den Veröffentlichungstermin für sein neues Album und den dazugehörigen Film am 28. Juli.

Die einstündige Aufführung beendete offiziell Scotts ASTROWORLD-Themenära, die sowohl der Auslöser für den Aufstieg von Travis Scott zum Hip-Hop-Superstar als auch Gegenstand von Kontroversen war, als ein tödlicher Menschenandrang bei seinem jährlichen ASTROWORLD-Festival 2021 zu zehn Todesopfern führte.

Er lud die Fans zur Utopia-Livestream-Show bei den Pyramiden von Gizeh in Ägypten ein und sagte: „Treffen Sie mich bei den Pyramiden, wenn Sie können“, bevor er genauso schnell in der Nacht verschwand, wie er aufgetaucht war.

Luh Tyler ging letztes Jahr mit seinem stetigen Erfolg bei „Law & Order“ – einem Remix des Titelsongs aus dem gleichnamigen Krimidrama – viral und im April erreichte sein Debütalbum „My Vision“ Platz 2 der Billboard-Charts Top Heatseekers-Chart. Der 17-jährige aus Tallahassee stammende Floria trat auf der Culture King-Bühne zusammen mit den unerwarteten Gastdarstellern DDG, Danny Tower, DD Osama und sogar seiner eigenen Großmutter auf.

Er rappte mit Danny Towers, DJ Scheme und Ski Mask the Slump God einige seiner denkwürdigsten Texte aus dem Tiktok-Hit „Florida Water“ und schloss sein Set mit „Law & Order“ ab. Luh Tyler wurde kürzlich zu einem der XXL-Neulinge im Jahr 2023 ernannt. Sein Selbstvertrauen und sein Charme auf der Bühne machten den Auftritt dieses Newcomers zu einem der aufregendsten, die es zu erleben gab.

Mit ein paar Jahren und einem neuen Album, Coi, im Gepäck hat Coi Leray Fans und Kritikern bewiesen, dass sie mehr als ein One-Hit-Wonder ist. Mit kurzen schwarzen Haaren und spärlich bekleidet in einem glitzernden Zweiteiler aus Leder stand sie selbstbewusst auf der Bühne. Flankiert von ganz in Schwarz gekleideten Tänzern führte sie die beliebten viralen Tiktok-Hits „TWINNEM“, „Players“ und „No More Parties“ auf.

Coi Leray tanzte die ganze Nacht zu einem Set, das mit neuen Songs von Coi gemischt war, und brachte die Energie mit ihrem nostalgischen, von „Pump Up the Jam“ gesampelten Song „Make My Day“ und dem Hype-Track „Run It Up“ auf ein neues Niveau förderte die Selbstliebe mit ihrer von Metro Boomin produzierten Single „Self Love“ aus dem Soundtrack „Spider Man: Across the Spiderverse“, bevor sie das Set mit der Mädchen-Empowerment-Hymne „Players“ beendete.

Coi Lerays unterhaltsamer Auftritt war nicht nur herausragend, sondern spiegelte auch den Aufstieg von Frauen im Rap wider. Weitere bemerkenswerte Rapperinnen des Wochenendes waren Latto, GloRilla, City Girls und Lola Brooke.

Danny Towers ist seit seinem Aufstieg in der SoundCloud-Ära in Südflorida neben den verstorbenen XXXTentacion und Juice WRLD, Ski Mask the Slump God und DJ Scheme ein fester Bestandteil Floridas. Sein Set verkörperte die Wurzeln von Rolling Loud mit Songs wie „Chunky Monkey“ und dem viralen Ski Mask the Slump God, DJ Scheme und dem Lil Yachty-Hit „How You Feel? (Freestyle)“.

Er beendete seinen Auftritt auf der Culture Kings-Bühne mit „Florida Water“, einer von DJ Scheme produzierten, viralen TikTok-Florida-Hymne mit Luh Tyler und Ski Mask the Slump God. Der Schlusssong passte passend zum letzten Tag von Rolling Loud. Während Fans aus dem ganzen Land moschten und den Liedtext riefen, erinnerte Danny Towers alle an die Stadt und die Kultur, die der Auslöser für das größte Hip-Hop-Festival der Welt war.

19 Konzerte und Events zur Feier des 50-jährigen Hip-Hop-Jubiläums